【關于“德國錄像藝術40年”項目】

同“40JahreVideokunst.de”（德國錄像藝術40年）項目的第一部分一樣，歌德學院也承擔起本項目第二部分，即DVD的國際推廣。

此項目是由卡爾斯魯厄的ZKM（藝術和媒體技術中心）與亞琛的Ludwig Forum（路德維希論壇）、Kunsthaus Dresden（德雷斯頓藝術館）、奧爾登堡的Edith-Ru?-Haus für Medienkunst（伊迪絲－羅斯媒體藝術館）聯(lián)合策劃，在聯(lián)邦文化基金會推動下進行的。

歌德學院此次推廣的DVD選出了超過50部短片作品，其中大部分是來自短片藝術的“早期”，即來自20世紀70年代和80年代，但也包括了一些當代的作品。這些影片將在接下來幾個月以添加英語字幕的形式呈現(xiàn)給觀眾。

DVD中主要包括了如下藝術家的作品：約瑟夫?博伊斯, Michael Bielicky, Claus B?hmler, Klaus vom Bruch, Lutz Dammbeck, Rudolf Herz, Nan Hoover, Wolf Kahlen, Korpys/L?ffler, Urs Lüthi, Ernst Mitzka, Heike Mutter, Marcel Odenbach, C.O. Paeffgen, Klaus Rinke, Ulrike Rosenbach, Reiner Ruthenbeck, Gerry Schum, Peter Weibel, Ursula Wevers, Peter Wiersbinsky。

【關于藝術家及作品】

Conradt Buescher

1985年， Michaela Buescher與Gerd Conradt一起拍攝了一部從未完成的、關于德國二十世紀六十年代學生運動領袖Gretchen Dutschke-Klotz 的紀錄片。Gretchen在片中講述了她的童年以及她在歐洲的生活。23年之后，這些時過境遷、集中于關鍵內容的材料第一次被播放給Gretchen和她已經長大的三個孩子觀看，他們在觀看中的種種反應都被用攝影機記錄下來。

放映裝置由5個帶基座的屏幕組成，其中4個屏幕分別展示三個已經長大的孩子以及母親的畫面，另外一個較大的、正對其他屏幕擺放的屏幕放映那一次歷史性的采訪。

Beuys Box

1972年10月8號，卡塞爾documenta 5（第五屆文獻展）以一場騷動拉上帷幕：Joseph Beuys這位世界知名的藝術家，以當時51歲的年齡與比他小30歲的學生Abraham David Christian進行了一場拳擊比賽。這場戰(zhàn)斗在文獻展的主展廳Fridericianum藝術館展開，共進行了3輪，耗時將近10分鐘。

當時，人們并不知道這次行為表演是一項藝術作品。Beuys更希望借此能讓人們記住他已經在文獻展上宣傳了100天的“通過全民公決實現(xiàn)直接民主組織”，能夠再次引起人們的關注。于是，這場拳擊賽就變成了一次帶有娛樂性質的政治示威。

Bielicky Peredo Fettecke

眾所周知，藝術作品會被載入史冊常常是它與某項轟動一時的事件有所關聯(lián)，甚至可能引發(fā)了無法預料的后果。當這一類轟動事件在日后又為新的創(chuàng)作注入動力時，就變得特別有趣了。

Michael Bielicky和Ricardo Peredo在1987年聯(lián)合攝制的作品《Die Fettecke》就是這樣。短片以紀錄的方式報導了Joseph Beuys在杜塞爾多夫學院安裝的著名作品“Fettecke”的拆卸過程：Beuys的同時代入在其中的發(fā)言被加以剪切和交疊鏡頭，使其看起來仿佛是一部藝術制作。

藝術史總會用藝術的方法重新書寫自身。

Boehmler

Claus B?hmler1974年用《Wir malen mit dem Rot des Kohls》（《我們用紅卷心菜畫紅色》）創(chuàng)造了一種視覺詩歌和互動藝術作品的融合。在表達關于語言、顏色和材料的主題時，水果和蔬菜種類作為一種出發(fā)點服務于藝術家。在作品中也常常出現(xiàn)對于影像媒介的批評，當觀眾發(fā)出“快去把你的電視機的藍色調高”這種指令時，這種批評達到了高潮。不僅是語言突然可以解釋顏色，當時彩色電視的技術也很明顯地能讓觀眾去闡釋他們的色彩。

Bruch

《Die Entführung eines Kunsth?ndlers ist keine Utopie mehr》（《綁架一個藝術品商人不再是烏托邦》）。單是這個題目就已經將Klaus vom Bruch的用意表露無遺。觀看這部1975年的短片簡直就是體驗一部驚悚片。著名電影《The Pink Panther》（《粉紅豹》）的原聲音樂總是恰到好處地響起，一步步提高了影片的緊張感。觀眾們自然會想起間諜片：一個神秘的陌生人手持一把槍站在鏡頭前，除了他的武器上刻著“008”之外，我們對他一無所知??同時，作品和字幕也都暗示了當時的歷史：1975年不久前RAF綁架Peter Lorenz事件。（Red Army Faction，譯注：紅色旅，德國恐怖組織）

Czukay

Holger Czukay作為傳奇搖滾樂隊Can的組建者之一，就像是從另外一個星球乘宇宙飛船降落到他的工作室一般。他夢游似的操縱調節(jié)器、電話機和鼓，樂聲應和著他對著麥克風發(fā)出的高聲叫喊和低聲沉吟。表面上來看，這部片子僅是對于1982年的回顧，但實際上，Czukay已經總結了整個20世紀的歷史。他試圖傳達的信息如同斷奏一般、沖撞著觀眾們。

上述錄音室場景持續(xù)出現(xiàn)在Czukay最著名的歌曲之一《Cool in the Pool》中。當然，此次呈現(xiàn)的不是樂迷眾所周知的1980年版本，而是至今尚未公開發(fā)表過的1978年最初版。

Dammbeck

Lutz Dammbeck在1984年的《Herakles》（赫拉克勒斯）中批判性地探討了獨裁統(tǒng)治體系，他說這是受到Heiner Müller的《Herakles 2 oder Die Hydra》（《赫拉克勒斯 或者許德拉 》）以及格林童話《Das eigensinnige Kind》（《固執(zhí)的孩子》）的啟發(fā)：拉克勒斯身上古典時期的道德美德，被法西斯藝術對惡的詮釋混淆在一起。Dammbeck想通過這一組合來實現(xiàn)對“超人”這一理想化愿景的解構，并呈現(xiàn)潛在的法西斯愿望。他的作品將話題最終引向體制的批判，這個項目如何被DEFA一再拒絕，不得已只能以個人制作的方式實現(xiàn)。

Dencker

在1970年為巴登－巴登的西南廣播電臺所制作的影片《Starfighter》（“星”式戰(zhàn)斗機）中， Klaus Peter Dencker將“具體詩”的方法運用到影像媒體上來：他用文字游戲的方式以“Starfighter”這個詞為基礎創(chuàng)造出許多新詞，并開發(fā)出新的聲音效果，然后在視覺上將它們組合成字－畫鏈。在他的畫－音拼貼中，他使用故事片和廣告片作為影片素材，給它們配上Mungo Jerry樂隊的歌曲《Mighty Man》和來自英語課本中的語言序列、新聞和自己制作的聲音素材。其中很多特效都是通過當時還很新的藍盒子技術（虛擬演播室系統(tǒng)）完成的。

Flatz

雖然 FLATZ拍攝于1981年的短片時間極短、僅有10秒鐘，但影像卻很格外吸引人，只是它無窮無盡的Loop循環(huán)方式著實煩透了觀眾。影片中，Toni是一位慕尼黑著名的設計師，同時也是一個鎮(zhèn)靜劑藥物的受害者。當觀眾看到他站在一堵墻前享受地吸煙，就會很快明白，Toni并不認為自己是一個受害者，與此相反，他是一個在享樂中揮霍生命的人。影片的背景香煙品牌萬寶路的廣告語。此片正是在當時的電視媒體上所拍攝的香煙廣告。

Hamos

在Gusztav Hámos1983／1987年的作品《Fiction II: Der Unbesiegbare》（《小說2：不可戰(zhàn)勝者》）中，觀眾將與Alex Raymond所創(chuàng)造出來的超級英雄Flash Gordon共同經歷一場冒險。影片進行中，藝術家還以罕見的方式探討了短片與電影的關系，以及兩種形式所得到的不一樣的對待。不同的Mise en Scène（舞臺調度）——時而使用客觀的特寫鏡頭，時而使用主觀的鏡頭運動——目的便是使這種兩種方式直觀化，除此之外，還能達到引起緊張橋段的效果，更使整部作品在聲音和畫面情節(jié)的烘托下令人印象深刻。

Herz Toma

在制作1980年的短片《Das Haus der Kunst abtragen》（《鏟平美術館》）時，Rudolf Herz和Ruth Toma直接以輝煌的藝術殿堂為目標：它們想毀掉慕尼黑美術館——一座因其歷史上的納粹背景而象征性保留下來的建筑，如今是世界最著名的展覽館之一。它們很謹慎地展開行動，設法弄到建筑平面圖，征求爆破專家的意見，或者研究美術館中私人習慣。另外，他們的作品還探討了短片這種媒介操控現(xiàn)實的能力：看似客觀的紀錄方式帶出了虛構歷史的一部分。

Hiltmann

Jochen Hiltmann1972年的《Werk Für Künstler》（《給藝術家的作品》）可以看作是一部短片中的短片，它的主題是關于藝術家的角色以及他們與媒體的關系。作品營造出較為壓抑甚至幽閉恐怖的氣氛：由于在一個過于狹小的場地拍攝，所以從屏幕上看起來像是一個封閉的空間，藝術家被關在里面。唯一的出路只能是：竭力解放自己！然后，這種窘況又發(fā)展到了顛覆性的一幕，將熒幕砸個粉碎。它表現(xiàn)了一種對媒體的深層次批評，并且不留任何情面地抨擊了電視以至整個媒體體系。

Hoover

1975年的《Movements in Light》（《光中的運動》）是Nan Hoover的早期作品之一，也是她放棄繪畫轉而從事短片的標志。利用燈光和陰影效果，和聽起來危險、陰沉的聲音處理，人類身體的形象被當作一些已知的和熟悉的地形，再一次被暴露無遺。個別身體部位，如臉、手背或手指，幾乎看不出它們本來的形狀，在片尾最后的剖析中，它們將自己解放，變成了怪異的風景。

恰恰是在如今這個影像泛濫的時代，Hoover的短片更要求我們以一種不同的方式來對待：放慢觀看，讓目光在屏幕上慢慢地流轉。